Rhythmus und Balance: im Gespräch mit Pepe, Schlagzeuger der Band Veintiuno

Bei Noirfonce glauben wir, dass Bewegung und Kreativität Hand in Hand gehen. Ob auf der Bühne oder auf dem Asphalt: Den eigenen Rhythmus zu finden, ist essenziell. Wir haben uns mit dem Schlagzeuger der spanischen Indie-Pop-Band Veintiuno zusammengesetzt, um über seinen Werdegang, die Verbindung zwischen Kunst und Sport und darüber zu sprechen, warum die ASICS-Philosophie so stark mit seinem Lebensstil resoniert. Von Proben im Keller bis zu ausverkauften Venues – das ist seine Geschichte.

Fangen wir mit einem Klassiker an. Kannst du uns etwas über deinen Hintergrund erzählen? Wann ist Veintiuno entstanden und wie bist du zur Band gekommen?

Ich habe mit 11 oder 12 Jahren angefangen, Schlagzeug zu spielen. Eines Tages nahm uns mein Vater mit in den Proberaum seines Freundes Juanpe, und mein Bruder und ich kamen völlig fasziniert wieder heraus. Noch an Weihnachten standen ein Schlagzeug und eine Gitarre bei uns zu Hause, und von da an lebten wir praktisch im Keller, lernten und experimentierten ohne Pause. Ab 2005 spielte ich in vielen Bands mit ganz unterschiedlichen Stilen und machte sogar Drum-Shows in Nachtclubs oder wo immer man mich rief. Für mich war Schlagzeugspielen immer die Antwort auf vieles.

Veintiuno entstand in Toledo, in einer sehr lebendigen lokalen Szene, in der sich jedes Wochenende Bands aller Art die Bühne teilten. Bei einem dieser Konzerte spielte ich mit einer Bluesband, die ich mit meinem Bruder und ein paar Freunden hatte (The Blues Connection), und Veintiuno spielte am selben Abend. Mich hat wirklich beeindruckt, was sie machten, und von da an habe ich sie verfolgt.

Die Band hatte in ihren ersten Jahren mehrere Besetzungen, und ich kam etwas später dazu. Eines Abends im Jahr 2014 schrieb mir Diego über Facebook, um mir etwas vorzuschlagen; ich hätte mir nicht vorstellen können, dass diese Nachricht alles verändern würde. Ich stieg in einem entscheidenden Moment ein, mit dem Wunsch zu wachsen und unseren eigenen Weg zu finden, und seitdem sind elf Jahre voller Geschichten vergangen.

Die Anfänge waren sehr „Guerilla“: Proben in Toledo, Touren in Autos, die wir uns von unseren Eltern geliehen hatten, Konzerte, bei denen wir alles gegen die Uhr auf- und abbauten … aber es waren auch Jahre voller Begeisterung, in denen wir herausfanden, wer wir als Band sind. Später zogen wir nach Madrid, wodurch wir Touren, Events und Aufnahmen intensivieren konnten.

Heute setzen wir diese ständige Entwicklung fort. Die Band ist gewachsen, die Projekte sind ambitionierter und die Intensität im Alltag hat zugenommen. Aber auch wenn alles komplexer und umkämpfter ist, sind wir für mich immer noch dieselbe Band wie 2014 – in unserem Verständnis davon, was es bedeutet, Teil einer Gruppe zu sein.

Wenn du dein Leben in Etappen einteilen müsstest, welche würdest du erkennen? Wie würdest du sie nennen?

Wenn ich mein Leben als Musiker in Etappen einteilen müsste, würde ich es mir als Triptychon vorstellen: drei unterschiedliche Szenen, die zusammen ziemlich gut erklären, wie ich hierhergekommen bin.

Die erste wäre „Die Offenbarung“. Der Moment, in dem ich das Schlagzeug entdeckte und es zu meinem eigenen Raum wurde. Stundenlang spielen, mit Büchern und Lehrern lernen und spüren, dass da etwas war, das mir guttat. Es war eine sehr unschuldige, freie Phase, in der ich einfach spielen wollte, ohne allzu viel an die Zukunft zu denken.

Die zweite wäre „Die Suche“. Jahre des Experimentierens, zwischen sehr unterschiedlichen Projekten wechseln, überall spielen und durch Versuch und Irrtum lernen. Eine sehr lebendige, etwas chaotische Phase, die mir mehr Werkzeuge gab, als ich mir damals vorstellen konnte. Hier taucht auch Veintiuno auf meinem Weg auf, und ich beginne zu spüren, dass alles, was ich erkundet hatte, irgendwohin führte.

Die dritte wäre „Der Aufbau“. Sie steht für den aktuellen Moment: ein Projekt festigen, es wachsen lassen und mit der Verantwortung und Intensität leben, die es mit sich bringt, Teil einer immer präsenteren Band zu sein. Es ist eine bewusstere Phase, in der ich zurückblicke und erkenne, was mich als Musiker geprägt hat und wohin ich will.

Das wären meine drei Tafeln: die Offenbarung, die den Funken zündete, die Suche, die mich formte, und der Aufbau, den ich Tag für Tag fortsetze. Ohne die eine hätten die anderen keinen Sinn.

Hast du in dieser aktuellen Phase das Gefühl, an dem Punkt angekommen zu sein, an dem du denkst: „Ich bin da, wo ich sein muss, und tue, was ich will/tun muss“?

Ja, ich würde sagen, ich bin in einer Phase, in der ich spüre, dass der Weg, den ich gehe, Sinn ergibt. Ich arbeite mit Menschen, die ich verstehe und mit denen ich eine Vision teile, und das ist für mich grundlegend. Zweifel und Ängste verschwinden nicht; ich glaube, sie gehören zum Prozess, aber heute erlebe ich sie bewusster – als Zeichen dafür, dass ich weiter vorankomme.

Jeder Schritt, den wir machen, hilft mir, mich als Musiker besser zu verstehen und stolz zu sein auf das, was wir aufbauen, und auf das, was wir hinter uns lassen. Ich bin an einem Ort, der mich antreibt und in dem ich mich wiedererkenne, und das ist schon viel.

Die Welt der Kunst und die des Sports haben viele Synergien. Woher nimmst du deine Inspiration?

Ich liebe Sport; ich brauche ihn, um meinen hyperaktiven Kopf auszugleichen. Wenn ich morgens nicht laufe oder trainiere, beginnt der Tag furchtbar. Ich glaube, Sport und Kunst sind sich ähnlicher, als es scheint: Beide verlangen Beständigkeit, Geduld und schnelle Entscheidungen, ob auf der Bühne oder auf der Bahn.

Meine Inspiration kommt genau aus dieser Mischung. Ich schaue gern auf Menschen wie Jack Johnson, der nach einer Verletzung vom Profisurfer zum Musiker wurde und so etwas, das ein Rückschlag hätte sein können, in eine andere Form des Schaffens verwandelte. Inspiriert werde ich auch von Orten wie Japan, wo ich letztes Jahr zum ersten Mal war und dessen Ruhe, Ästhetik und Art, den Rhythmus der Dinge zu verstehen, ich immer noch verarbeite. Und dann gibt es ganz einfache Momente, wie Sonnenaufgänge im Winter: diese kalte, stille Zeit, in der der Tag ohne Lärm beginnt und aus irgendeinem Grund alles an seinen Platz fällt.

Ich glaube, meine Inspiration kommt genau daher: aus der Bewegung, aus dem, was man entdeckt, wenn man aus seiner Routine ausbricht, und aus jenen Momenten, in denen man nachdenken kann, ohne dass jemand spricht.

ASICS ist eine Marke für Sport und Bewegung. Was hat dich zur Marke hingezogen?

Was mich mit ASICS verbindet, hat mit ihrer Philosophie zu tun und mit etwas, das für mich grundlegend ist: Bewegung als Weg zu verstehen, sich um den Kopf zu kümmern. Ich habe Laufen immer damit verbunden, Gedanken zu ordnen, den inneren Puls zu senken und zu einem klareren Zustand zurückzukehren. Ich habe das Gefühl, dass die Marke genau von dort aus arbeitet – von der Idee, dass Körper und Geist zusammengehören.

Auch ihr Design zieht mich sehr an. Sie haben diese Balance zwischen Technik und Ästhetik, die nicht alle Marken erreichen. Ich sehe, dass es Sneaker sind, die für Leistung entwickelt wurden, dich aber auch im Alltag begleiten, ohne dass du deine Persönlichkeit aufgeben musst. Ich achte sehr auf Details, und bei ASICS merkt man, dass jedes Element eine echte Funktion erfüllt und nicht einfach so da ist. Neben meiner Arbeit als Musiker bin ich Ingenieur, und diese Details in Struktur und Material fallen auf.

Und dann ist da noch die Verbindung zur Laufkultur. Mir gefällt, wie sie Sport mit unterschiedlichen Lebensstilen verbinden und nicht nur den „perfekten“ Athleten suchen, sondern alle, die Laufen nutzen, um sich besser zu fühlen. In diesem Sinne kann ich mich sehr damit identifizieren: Laufen ist für mich keine Pflicht, sondern ein Werkzeug, um mich wohlzufühlen und den Kopf freizubekommen.

Ich glaube, deshalb passt die Marke so gut zu mir: weil sie nicht beim Körperlichen stehen bleibt, sondern Bewegung als etwas versteht, das dich vervollständigt.

Wie sieht deine Zukunftsvision für die Musikwelt aus? Für den Sport? Und deine eigene?

Ich glaube, die Zukunft der Musik steuert auf einen Punkt zu, an dem zwei Extreme nebeneinander existieren werden: das Hyperdigitale und das sehr Menschliche. Einerseits wird es mehr Technologie geben, mehr Kreation am Computer und neue Wege, Menschen zu erreichen. Gleichzeitig spüre ich aber ein Bedürfnis, zum Wesentlichen zurückzukehren: zu ehrlichen Konzerten, zu Bands, die nach Menschen klingen und nicht so sehr nach Algorithmen, zu Projekten, die eine unperfekte Identität suchen. Ich möchte glauben, dass wir uns auf ein Modell zubewegen, in dem Authentizität wieder den Wert bekommt, den sie verdient.

Im Sport sehe ich etwas Ähnliches. Es gibt mehr Daten, mehr Methoden, mehr Analysen … aber das Wesentliche bleibt gleich: sich bewegen, auf sich achten und Balance finden. Ich denke, die Zukunft liegt darin, ihn weniger als ständigen Wettkampf und mehr als Werkzeug für das Wohlbefinden zu sehen, körperlich wie mental. So erlebe ich es zumindest: Sport ist kein Ziel, sondern eine Ressource.

Und meine Zukunft … stelle ich mir so vor, dass ich versuche, diesen Gleichgewichtspunkt zwischen dem, was ich tun will, und der Art, wie ich es tun will, zu halten. Weiter einen Weg mit der Band bauen, weiter lernen und in Bewegung bleiben. Ich weiß nicht genau, welche Form alles in ein paar Jahren annehmen wird, aber mir ist klar, dass ich weiterhin von Projekten umgeben sein will, die mich herausfordern, von Menschen, mit denen es Sinn ergibt, voranzugehen, und von Gewohnheiten, die mich zentriert halten.

Zum Abschluss würde ich meine Zukunftsvision so beschreiben: mehr Intention, weniger Lärm und immer auf der Suche nach einem Rhythmus, der ganz mein eigener ist.